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Tal y como fue anunciado anteriormente, el sexto piso del Edificio de Postgrado -una vez más- se llenó de gente, colorido, moda y arte. No podía ser de otro modo, pues se desplegó la muestra Bauhaus, de la Facultad de Arquitectura, Arte y Diseño de la Universidad Autónoma del Caribe: un homenaje a la primera escuela de este tipo que marcó las tendencias del diseño para el futuro y nuestro presente.

 

Con una tranquilizante música de fondo, al mejor estilo de un museo en Milán, fueron exhibidos ante los presentes los proyectos de estudiantes de los primeros semestres de cada programa que integra la unidad académica organizadora, antes mencionada.

 

Fue así como estudiantes, docentes y profesionales del campo del diseño de modas, arquitectura, diseño de espacios y diseño gráfico apreciaron las creaciones de los futuros expositores en ejercicio, las cuales ocuparon desde el vestíbulo hasta la totalidad del ala sur del lugar en el que se llevó a cabo este acto.

 

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Al entrar, toda una serie de planos correspondientes a trabajos de diseño de espacios adornaban el lobby como un abrebocas de lo que se encontraría al avanzar por el recinto. De igual manera, un grupo de esculturas de yeso hechas con técnicas tridimensionales -alusivas al Carnaval de Barranquilla y en blanco pristino- anticipaban lo mismo.

 

Como complemento y reafirmación de lo anterior, fueron ubicados paneles sobre los cuales había piezas editoriales –y publicables en revistas- elaboradas por estudiantes del Programa de Diseño de Modas. Una vez dentro del salón, diferentes stands invitaban a un recorrido, toda una vitrina de piezas de mobiliarios con materiales como madera y hierro –típicos de la corriente nacida con la escuela Bauhaus- y sus colores representativos: amarillo, azul, rojo, blanco y negro.

 

Otros proyectos a la vista eran textiles, como vestidos de baño y otras prendas inspiradas en todos los artistas egresados de dicha escuela alemana; piezas gráficas y también decorativas. Adicionalmente, los asistentes pudieron observar diferentes cajas de luz elaboradas por os principiantes en la vida universitaria, las cuales podrían utilizarse como lámparas, esculturas u obras de arte.

 

“Todo lo visto son la base para la generación de otros productos, creados por los jóvenes conforme van aprendiendo todo lo relacionado con lo que estudian, mientras que los estudiantes de últimos semestres se encargaron del montaje y la logística de este evento”, dice la arquitecta, diseñadora de espacios y profesora de tiempo completo Orietta Polifroni.

 

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Además de la exhibición.

Pasadas las 9:00 de la mañana, se dio apertura al evento con la proyección de material visual de la escuela por la que se organizó este encuentro. A las 3:00 de la tarde empezó la primera ponencia a cargo de la docente Zulma Buendía y bajo el nombre de Racionalismo de la Escuela Bauhaus frente a las necesidades del siglo XXI en Colombia.

 

De acuerdo con Emilia Velásquez, decana de la facultad a la cabeza de la muestra, “la importancia de este acto radica en lo interdisciplinar del semestre, para el cual se trabaja sobre un mismo esquema. Somos cuatro programas que giramos alrededor del diseño y estamos rindiendo este homenaje a la Escuela Bauhaus, por su centenario y por ser la primera en mezclar las diferentes misiones de cada una de estas profesiones”, señala.

 

“Uno de los principios que nos rige es llegara ser tan influyentes como la Bauhaus en temas de arte y diseño, aunque es difícil por tratarse del máximo paradigma en este sentido, pero estamos trabajando con ese objetivo”, agrega la líder académica y funcionaria de Uniautónoma.

 

Transcurrida la mañana de este 13 de junio y así el homenaje a Bauhaus, se realizaba simultáneamente Mostrarte, la exhibición de trabajos finales del Programa de Diseños de Espacios, pero con la particularidad de mezclar los de los demás programas debido a la ocasión especial que 2019 trajo consigo, sobre los 100 años de Bauhaus.

 

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Un poco más de Bauhaus.

La celebración por los 100 años de la escuela de arte moderno –pionera en su enseñanza- es a nivel mundial y diversos medios se han unido a la causa, debido al peso que tiene en la escena cultural actual. La Bauhaus empezó a generar arte después de la Primera Guerra Mundial, para darle un poco de color y alegría a la sociedad alemana. Hoy en día, para los teutones es motivo de orgullo, pero en su momento fue una vergüenza para los sectores más tradicionalistas de los germanos, pues a las mujeres se les daba cabida y también a los extranjeros, en una época en la que la prioridad era reservar lo bueno que ese país pudiera brindar solo a los nativos.

 

Aún así, fueron muchos los jóvenes alemanes que llegaron a Weimar, sede del instituto, para estudiar las carreras que ofrecía y que las universidades de aquel entonces aún no. Más adelante, en 1933, el movimiento Nazi hizo cerrar la escuela, al inicio de la Segunda Guerra Mundial, lo cual disparó el interés internacional por lo que se enseñaba en ella y por sus egresados.

 

En abril del presente año, fue inaugurado en esta misma ciudad –del estado federado de Turingia- un museo que lleva el nombre de la escuela. En septiembre se abrirá otro con 50 mil objetos que hicieron parte de la sede original. Se aspira a que en 2022 se amplíe el archivo de Bauhaus y que su influencia en el mundo del arte no solo continúe sino que se acentúe.

 

Por su historia y vinculación con Bauhaus, Weimar fue nombrada por el Consejo de la Unión Europea, el 5 de noviembre de 1993, Capital Europea de la Cultura. JSN

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La Universidad Autónoma del Caribe se une a la celebración de los 100 años de la Escuela de Diseño Bauhaus con una muestra artística de los estudiantes de las carreras adscritas a la Facultad de Arte, Arquitectura y Diseño. Este jueves y viernes, desde las 8 de la mañana hasta las 6 de la tarde, el sexto piso del Edificio de Posgrado se convertirá en una galería donde se exhibirán las obras de los jóvenes de Diseño Gráfico, Diseño de Modas, Diseño de Espacio y Arquitectura.

 

La conmemoración había comenzado hace un mes, cuando 100 propuestas de los estudiantes de Arquitectura fueron exhibidas en el segundo piso del bloque. Los dibujos realizados en técnicas como vinilo, acuarela, acrílico, lápices de colores y marcadores, entre otras, buscaban expresar un "análisis sobre la identidad cultural nuestra, representada en la arquitectura, con todo lo que se nos impuso con la conquista española y toda la influencia cultural que trajeron", explicó Alfredo Arrieta, director del programa de Arquitectura. 

 

La encargada de hacer la curaduría fue la profesora Zulma Buendía, quien señaló que se presentaron 250 muestras y fueron depurando hasta quedar con las finalistas. La docente de tiempo completo indicó que para la universdidad es importante este reconocimiento porque el programa de Arquitectura sigue los lineamientos de la Bauhaus.

 

"La Bauhaus fue la primera escuela de arquitectura que se fundó en el siglo XX, dándole inicio a una visión contemporánea de la espacialidad, no solamente al ente como hecho arquitctónico sino a la ciudad como un cojunto de estos entes y que en ese momento estaba desordenada. Sus cimientos están entre las corrientes del racionalismo y el expresionismo, expresó Buendía.

 

Para la docente, la importancia de esta escuela radica en que muchos de sus estudiantes se fueron por el mundo "y fundaron escuelas de arquitectura con esa misma filosofía, lo que ha hecho que muchas de las grandes ciudades se hayan formado con esta corriente racionalista". "Estamos en el siglo XXI y 100 años después de su fundación, la filosofía Bauhaus sigue siendo influyente", añadió.

 

La escuela Bauhaus de arquitectura, diseño, artesanía y arte fue fundada en Alemania por Walter Gropius en 1919 en la ciudad de Weimar. El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, "construcción", y Haus, "casa". Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad burguesa de la época, de acuerdo con el pensamiento de su fundador.

 

Por su parte, el director Arrieta manifestó que la importancia de la escuela Bauhaus es que en ella se trataron temas "sobre la significación del diseño, el arte, la artesanía, y el boom de la escuela fue que puso al mismo nivel tanto a los artistas como a los artesanos". "Eso quiere decir que la obra que realiza un artista plástico académico es igual que la obra manual tradicional que hace un artesano", agregó.

 

Al final de la muestra, Arrieta alabó la muestra porque rescata parte de la esencia de la arquitectura e hizo que los estudiantes exploraran estas competencias y expresaran una idea a través de un representación bidimensional. "A veces los arquitectos nos olvidamos que nosotros nos damos a entender por medio de la expresión gráfica, tanto de manera profesional como desde el punto de vista artístico", finalizó.

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El departamento del Atlántico posee una de las riquezas culturales más variadas del país. Todo este legado se desprende del sincretismo que se dio entre las culturas que convergieron en la el periodo de la colonia.

 

Las artesanías hacen parte de las representaciones culturales que aún se mantienen vigente a lo largo y ancho del territorio Atlanticense. Sin embargo, toda está tradición se ha venido perdiendo por el desinterés de los jóvenes en aprender sobre su identidad.

 

A raíz de todo esta situación, los estudiantes Aleida Beltrán Molina y Arley Leal Santero de octavo semestre de Diseño Gráfico, de la Universidad Autónoma de Caribe, decidieron elaborar como proyecto de grado el ‘E-book’ o libro digital, titulado: Moykaná Moda y cultura de nuestro Atlántico, dirigido a los estudiantes del programa de Diseño de Modas de esta institución.

 

El objetivo de este proyecto es dar a conocer las artesanías del departamento, para que de esta forma los estudiantes del programa de Diseño de Modas se apropien de la diversidad de materiales y artesanías, hagan sus creaciones inspiradas en ellas y contribuyan a la enseñanza del valor artístico tradicional y cultural con el que cuentan los diferentes municipios del Atlántico.

 

“Lo que nosotros buscamos mediante la grabación de este E-book, es mostrar la autenticidad de las artesanías, a través de un sector de cubrimiento mundial como lo es el diseño de modas”, comentó Aleida Beltrán, estudiante.

 

Este libro recopila la memoria artesanal contada por las entrevistas hechas a los artesanos: Milagros Castilla, Marlene Blanco, Manuel Pertuz, Antonia Martínez, Edilma Avila, Edison Cano y Nuris Blanco; de siete municipios del Atlántico: Usiacurí, Galapa, Puerto Colombia, Tubará, Baranoa, Juan de Acosta y Barranquilla.

 

Este libro digital comprende una serie de figurines coloridos, fotografías, las rutas de cómo llegar a cada municipio, el perfil de los artesano, una pequeña reseña de las artesanía, su materia prima, los costos y un glosario.

 

“Cuando visitamos los municipios vivimos una gran experiencia, pues no conocíamos esas tradiciones. Lo que queremos lograr con este trabajo es llamar la atención de los jóvenes, para que se interesen por esta parte cultural y le den el valor que esto se merece”, aseguró el estudiante Arley Leal.

 

En el trabajo de campo realizado por los estudiantes, todos los artesanos coincidieron en que la tradición artesanal poco a poco se está perdiendo debido al desapego de muchos jóvenes por las artesanías.

 

Este es el link del E-book para que lo conozcan. LLT

 

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En un rinconcito de la capital de La Guajira se encuentra la tienda de ropa Enrique Vargas, 'bautizada' con el mismo nombre de su creador. Este proyecto nació como una visión que tuvo Vargas desde pequeño. Gracias a su talento y dedicación hoy es una realidad.

 

“Mi marca lleva mi nombre, así es como quiero que el mundo me conozca: como una firma auténtica y contemporánea. El deseo de salir adelante me llevó a crearla, desde niño lo soñé y encontré en el diseño mi pasión. Amo transformar el mundo”, comenta el diseñador.

 

Mejorar la imagen de sus clientes sacando lo mejor de ellos, motivarlos a que salgan de su zona de confort, se sientan seguros de si mismos y sean osados. Es el sello que caracteriza cada una de las prendas que Enrique Vargas.

 

"Más que ofrecer un producto, ofrecemos un servicio. Siempre he proyectado mi marca ofreciendo líneas de diseños personalizados. Cada cliente viene con distintas necesidades y mi deber como empresario es suplirlas”, asegura.

 

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Lanzarse a un mercado bastante competitivo como es el de la moda no fue fácil para este diseñador. Cuenta que su convicción y las ganas por sacar a delante sus sueños fue lo que lo impulsó a seguir luchando. “Iniciar es una etapa difícil. Darte a conocer, que la gente crea en ti, es un tema complejo, pero la mejor carta de referencia siempre será tu trabajo. Si tu atención y los productos que ofreces son óptimos, el crecimiento será notorio”, revela Vargas sobre su estrategia para posicionarse en Riohacha.

 

El sello Enrique Vargas.

“Nuestros productos son elaborados sobre medidas, basados en los requerimientos de los clientes. En el mercado conseguimos muchas prendas atractivas y de calidad, pero sin la asesoría ideal para los consumidores. En Atelier Enrique Vargas diseñamos, creamos y producimos prendas basadas en las necesidades de nuestros clientes”, explica el Diseñador de Modas.

 

Involucrarse en el proceso de elaboración de cada prenda para garantizarle al cliente un producto de calidad, es parte de la filosofía que maneja esta marca. Dentro de sus servicios ofrece una línea de ropa masculina y femenina, prendas casuales con detalles de alta costura. 

 

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“Más que crear un diseño para vestir a una personalidad o a una Miss, hay que tener en cuenta que cada cliente es un reto distinto. Satisfacer sus necesidades será complejo, en eso trabajamos cada día”, señala Vargas desde su taller.

 

La Universidad.

‘Kike' Vargas, como es conocido este diseñador, se describe como un guajiro soñador, con espíritu de liderazgo y un corazón receptor de buenas energías. Se caracteriza por ser un amante de la moda y el buen vestir, además disfruta de compartir con su familia y amigos.

 

Su experiencia en la Universidad Autónoma del Caribe cambió su vida, como él afirma. Cuenta que esta Alma Máter es a quien le debe la persona que es hoy. Fueron muchas las vivencias, los conocimientos y las herramientas que le brindó la universidad para enfrentarse al mundo laboral como diseñador de modas.

 

“Es mucho lo que tengo que agradecer, el apoyo incondicional y el respaldo a mi carrera. Nuca nos han dejado solos, siempre desde la distancia nos apoyan y eso me ayuda a forjar mis sueños”, manifiesta el guajiro.

 

Por otra parte, Vargas además de crear y producir diseños lleva 9 años realizando su labor como docente en el Instituto Sena de la Guajira. Esta vocación la lleva en la sangre, puesto que la mayoría de sus familiares se dedican al servicio de educar. Esta fue su primera oferta laboral y dice que “es más lo que he aprendido que lo que he enseñado”.

 

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Este joven guajiro también se dedica a trabajar con mujeres cabeza de hogar, pertenecientes a comunidades indígenas. Le tocá llegar a lugares de difícil acceso donde no existe la tecnología, ni mucho menos entra la señal de teléfonos celulares y aparte de eso le toca ingeniárselas para trabajar con ellas, debido a que estas nativas no hablan casi el español.

 

“La forma de contribuir a la sociedad es dejando una huella. Mi aporte es compartir mis conocimientos con los menos favorecidos, ya que a partir de esto se puede construir, transformar y cambiar la vida de las personas”, expresa el entrevistado.

 

"Luchar por cada cosa que nos Propongamos" es la frase mantra de Kike. Sus proyectos a futuro son: seguir llevando el nombre de Enrique Vargas a otros países para que la gente conozca su trabajo, comercializar su producto y ubicar una tienda en otra ciudad del país para darle fuerza a su firma. LLT

 

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Ese dilema que cuestionaba la disposición de disfrutar la Semana Santa, como unas breves vacaciones, o de estar apartado  y en reflexión -en su transcurso- quedó superado con la opción de hacer las dos cosas dentro de un mismo plan.

 

Claro que se puede despejar la mente y  estar en recogimiento, tal como se puede vestir de acuerdo con la ocasión, pero con la informalidad que ameritan los días libres. De todos modos,  “primero se debe tener en cuenta si vamos a asistir a los diferentes servicios religiosos, como lo pide la Semana Santa, porque tenemos un código de vestir y es diferente al que se debe seguir si vamos a ir a la playa”, dice Liliana Quintero, diseñadora de modas egresada de la Universidad Autónoma del Caribe.

 

Si eres de las personas que sale de la ciudad, durante este ‘break’ anual, buscando la playa y el sol, pero también quieres ir a la iglesia, debes saber que lo más adecuado en cuanto a vestuario es que “esté resguardado en las tradiciones, sin escotes, sin prendas cortas o colores muy llamativos”, indica Quintero.

 

Lo que lleves puesto, debe respetar esta tradición y eso significa que una camisa que te cubra lo suficiente, una falda o un pantalón -con esa misma característica- debe ser blanca, negra o de tonos pasteles, según la también docente del programa de Diseño de Modas y Alta Costura, de la Facultad de Arquitectura, Arte y Diseño de Uniautónoma.

 

Otros detalles por contemplar.

Los materiales y el ajuste de los mismos al cuerpo también deben estar de acuerdo con tu plan y el sitio en el que vas a estar, pues no es adecuado llegar al devocional con prendas de lycra y tan ajustadas. En cambio, “el lino y los encajes serían más propicios para esos momentos”, añade Quintero.

 

En cuanto a las tendencias, “en Colombia, por cuestiones climáticas, solo trabajamos teniendo en cuenta el vestir para la primavera-verano y el otoño-invierno. Por vivir en la Costa Caribe, debemos pensar en atuendos que se puedan lucir con tan altas temperaturas. Por eso, estamos fuertes en los teñidos o jalillos de tonos tierra y naturales, atardecer; terracota y naranja”, informa Quintero.

 

Para quienes no incluyen dentro de sus planes participar en la Semana Mayor, la diseñadora de modas aconseja “siluetas amplias, plisadas o con pliegues, sobre todo si se van de vacaciones a lugares caribeños”.

 

Los shorts están permitidos, pero sin exageraciones respecto a lo ligero de su tamaño. Si los vas a usar, ten en cuenta que se están usando “con estampación floral exótica”, encima la entrevistada y aclara que “lo primordial en vacaciones es estar cómodo, nada de prendas muy elaboradas, siempre evitando estar fuera de tono y siempre guardando la tradición”.

 

En lo que respecta a los vestidos de baño, “el enterizo ha regresado con marcas sobre todo por el tema de protección solar, debido al cambio del clima, lo cual amerita el cuidado de la piel”, advierte Quintero.

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Este viernes la Selección Colombia de fútbol estrenó la nueva camiseta con la que jugará de en la Copa América que se celebrará en Brasil este año. Aunque el debut fue con victoria, la mayoría de los colombianos continúan reticentes a aceptar el diseño de la 'piel' que llevarán los jugadores cuando disputen los encuentros de 'local'.

 

El pasado martes, en Shibuya, Tokyo (Japón), Adidas presentó el uniforme y la lluvia de críticas y los memes en las redes sociales por parte del pueblo colombiano, no se hicieron esperar ante el particular diseño.

 

A la gran mayoría de los aficionados no les gustó el diseño y no dudaron en hacérselo saber a la multinacional. Unos dicen que la camiseta fue inspirada en el suéter del icónico personaje de la televisión ‘El chavo del ocho’, otros la comparan con un bloc de notas amarillo. Todas las opiniones fueron hechas en forma de rechazo y burla.

 

Esta ha sido la camiseta más polémica en la historia de la Tricolor hasta ahora, pero lo que no saben los colombianos es que el diseño fue creado "para los hinchas, esta camiseta de fútbol luce un diseño inspirado en los patrones tradicionales que adornan los sombreros y faldas de los bailarines de cumbia colombianos", según explica Adidas en su página web.

 

“Adidas debe hacer una campaña de expectativa a través de videos promocionales, explicando el concepto de la prenda para que tanto los medios como el pueblo tenga una idea clara de lo que esta representa” afirmó Liliana Quintero, docente del programa de Diseño de Modas de la Universidad Autónoma Del Caribe.

 

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¿Qué piensan los diseñadores de moda al respecto?

“La intención o propuesta del diseño es válida pero pudieron tener en cuenta otro tipo de elementos o manejarlos de otra forma. El patrón está muy lindo pero no representa lo deportivo, hay que tener en cuenta que la camisa se va a usar en un contexto deportivo y eso es lo que no le encuentro” comentó Quintero magíster en Fashion Design del Instituto Europeo de Diseño, en Milán.

 

Por otra parte, la magíster en Mercadeo y tambien diseñadora de modas, Marjorie Caballero, añade que a nivel visual "la camiseta está muy recargada, las lineas del fondo están bien, sin embargo tiene otras lineas en diagonal que hacen que la vista se canse". Para la docente, es por eso que "a la gente no le gusta" y considera que "debieron escoger solamente un tipo de lineas y no una sobre otra”.

 

Colombia cuenta con una riqueza cultural muy variada que está plasmada en las artesanías, los grupos étnicos, las fiestas, los reinados y la música, entre otros, pero para Quintero "todo lo que se pueda mostrar al mundo de Colombia es valido, pero la idea es mostrar el país como una unidad, no solamente por regiones".

 

Mientras que Quintero señala que el problema no radica en la textura ni en los colores, "sino en que las líneas están muy delgadas y seguidas", Caballero señala que los diseñadores de Adidas "no tuvieron en cuenta los principios de diseño, tales como el principio de balance, proximidad, alineación, repetición, contraste y espacio para crear el diseño".

 

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Según lo que consideraron las expertas, el diseño de la nueva camiseta no resultó agradable para los aficionados porque hay un desconocimiento de los patrones y conceptos en los que se basó Adidas para su creación. 

 

Para Quintero "sería interesante", que se creara un concurso por redes sociales o que se "abriera la convocatoria para que los diseñadores colombianos muestren sus propuestas, se den a conocer y tengan participación en algo tan importante" como 'piel' que llevarán los jugadores de la Selección.

 

“Las otras camisetas son muy básicas, los diseños no resaltan las riquezas culturales de sus países, por lo menos en la de Colombia tuvieron más trabajo. Yo no veo el diseño de Colombia como el hijo de menos madre, sino como un buen diseño, que no fue ejecutado de la mejor manera” terminó Liliana. LLT

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Debido a su compromiso con el avance de las diferentes industrias nacionales y por tener el primer y más importante programa de Diseño de Modas en la región Caribe, la Universidad Autónoma del Caribe fue el punto de encuentro para Moda 1, el pasado martes.

 

El evento se llevó a cabo en el sexto piso del Edificio de Posgrados y se trató de una capacitación para estudiantes, empresarios y egresados de dicha unidad académica, sobre las tendencias en el vestir para el 2019.

 

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El conversatorio fue organizado por el Ministerio de Industria, Cultura y Comercio, con la participación de Inexmoda y Falabella- al que acudieron aproximadamente 200 personas con el interés de informarse sobre lo que se impone y se vende en este sentido.

 

La exposición se desarrolló como parte del convenio entre las entidades antes mencionadas y en el marco del proyecto Colombia Transforma Moda, siendo un esfuerzo conjunto y con aspiraciones de crecimiento. De ese modo, la academia y los sectores involucrados se darán cita en 2020 y por muchos años más, con el objetivo de acelerar el crecimiento de la industria fashion. JSN

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Para Osiris León, Daniela Noguera, Daniela Ramírez, Andrea Rodríguez, Daniela González y Denis Jaramillo lo más emocionante de esta experiencia fue cuando las escogieron para el grupo al que se le asignó el vestido de La Guacherna, bajo el nombre de ‘Juanita La Cambambera’, “debido a su importancia y la del mismo desfile”, dice Osiris León.

 

Todas concuerdan en que cada una aprendió cosas nuevas y demostró sus fortalezas. También coinciden en pensar que el trabajo grupal fue lo que más disfrutaron, “desde pasar tardes enteras bordando o buscando materiales en el Centro”, agrega León.
Tafeta, nopreno como base; can can -para darle rigidez a la falda- y spandex para el body fueron las telas utilizadas para la elaboración de esta pieza y el proceso inició desde el año pasado, con la primera reunión con Carolina Segebre.

 

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Fue una etapa en la que se inspiraron, imaginaron y plasmaron diversos diseños, colores y tonalidades. Luego, en diciembre, empezaron con los patrones de la falda, los cortes, para retomar a principio de 2019 y terminar con el mismo entusiasmo del principio.

 

´Juanita la cambambera’ es un homenaje a los 100 años del natalicio de la notable compositora Esther Forero, figura fundamental en las costumbres y tradiciones del Carnaval de Barranquilla, es el eje temático para realizar la creación ‘Juanita la Cambambera’. Con el diseño se desea exaltar el legado de Estercita Forero a través de la canción ‘Volvió Juanita’, resaltando la nostalgia y alegría de ese personaje que vuelve a gozar del carnaval, pero hace un regreso triunfal, con maletas llenas de lejanías, de pájaros, amores y canciones, para volver a su pueblo y bailar bajo la luna llena.

 

El concepto refleja un diseño de dos piezas: body recamado formando líneas sinuosas y coloridas que representan las ondas naturales de la riqueza Caribe y una falda semi-abierta en línea A, de color amarillo encendido, con una caracola que recorre todo el ruedo de la falda con calados a láser. Falda que va profusamente recamada y decorada con un camino de notas musicales, un popurrí de flores como cayenas, trinitarias, orquídeas y lluvias de oro, además de pájaros y mariposas, un fiel reflejo de la riqueza natural del Caribe colombiano. Lo complementa un bello tocado con plumas de gallo y flores iluminadas con luces led, medias de malla chispiadas con cristales, brazaletes y aretes en pedrería de diversos colores.

 

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En sus caras las sonrisas son permanentes, lo que hace evidente la buena energía entre ellas. A continuación, contamos quiénes son cada una.

 

Osiris León Hernández.

Tiene 21 años. “Desde pequeña me ha gustado el campo de la moda, siento que hay muchos en esta carrera y siempre he querido estar ahí. Me gusta mucho la parte de los accesorios”, asegura. Destaca el trabajo de la casa Dave Van Herpen, “por lo delicado de sus creaciones pero también por su toque tecnológico”, añade.

 

Daniela Noguera Ortega.

Tiene 21 años y decidir estudiar diseño de modas fue un proceso algo complicado: “ya sabía que quería estudiarlo, pero no me había decidido porque quería hacerlo afuera- Tuve una conversación con mi mamá, quien coordinó Plataforma K por un tiempo. Al final, decidí quedarme en Barranquilla y estoy muy contenta, ahora más con este proyecto”, cuenta.

 

A Daniela todo esto le pareció una experiencia maravillosa, “porque conocimos nuevas cosas, nuevas tendencias, pero lo que más me gustó fue ver el vestido en escena, a la Reina luciéndolo”, dice

 

Daniela Ramírez Mercado.

Para esta joven de 23 años, el diseño de modas es una carrera muy apasionante y se considera muy creativa, por lo que sintió que este ámbito era lo ideal para sí misma. “Me gusta mucho la organización de eventos, la publicidad y el marketing. En cuanto a la experiencia de haber participado en esta asignación, lo que más le gustó fue haber jugado con una amplia gama de colores y la libertad que tuvieron al utilizar todo tipo de materiales.

 

Andrea Carolina Rodríguez.

Esta joven tiene 22 años y casi toma un rumbo muy diferente al que, en últimas, decidió recorrer. Entre sus planes estaba estudiar administración de empresas, pero a ella lo que le gusta es la fotografía, la moda, las manualidades y el modelaje. Al hablar sobre lo que sintió posterior al proceso de confección y elaboración del vestido, Andrea cuenta que fue una gran emoción de ver el resultado final y que a todo el mundo le haya gustado.

 

Como la mayoría de sus compañeras y como el común de los jóvenes de hoy en día de tendencia emprendedora, en el futuro se ve con su marca propia, pero “también quiero ganar experiencia trabajando con empresas grandes”, aclara.

 

Daniela González Santos.

La historia de esta chica de 24 años es bastante interesante, pues pasó de tercer semestre de administración de empresas a empezar de diseño de modas, porque “me di cuenta que mi felicidad no eran los números sino el diseño”, recuerda. “Siempre pensé en estudiar diseño, pero hacerlo afuera, pero esta incertidumbre de no saber qué hacer me llevó a escoger algo diferente”, dice.

 

A Daniela le gustó todo del vestido, “desde diseñarlo hasta terminarlo, me gustó la experiencia de haber trabajado en un producto muy artesanal, pues no todo el mundo tiene la oportunidad de diseñarle a una reina del carnaval”, agrega.

 

En cuanto a los diseñadores que toma como modelo, cita a Del Pozo por su trabajo artesanal, por su vestuario con volumen y sus pequeños detales y a Valentino.

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Para la elaboración del atuendo que lucirá Kelly Johana Restrepo Arévalo, Reina del Carnaval de la 44, este sábado 3 de marzo, fueron utilizadas mallas recamadas en lentejuelas y georgette, para los forros, la que a su vez le dará para más suavidad, por dentro, a la textura de las mallas, “de modo que no la vaya a maltratar”, según Laura Toro, una de las diseñadoras de la pieza descrita.

 

Para la parte superior del vestido llamado ‘Renacer de Carnaval’, se usó malla piel intervenida con piedras de swarovsky, “lo que le da un efecto de individualismo al vestido, debajo del busto”, agrega Toro, quien además explica que fueron que esas telas con la intención de darle una aspecto “brillante, despampanante, que diera mucho de qué hablar por su vistosidad y elegancia”, añade. 

 

Tomó de tres a cuatro meses llegar hasta el resultado final ya mostrado en imágenes, algo que se dio por etapas. La primera fue la investigativa, “durante la cual reunimos todas esas ideas y el enriquecimiento histórico para partir de un tema de inspiración acorde al carnaval”, informa la entrevistada.

 

De acuerdo con Toro, todo empezó a mediados de noviembre hasta el 4 de febrero. Fueron cinco las propuestas planteadas, teniendo ya claro el tono del vestido, “pero modificando detalles de elaboración y cortes, que eran completamente diferentes. A raíz de eso, surgieron muchas ideas que fueron acogidas por el público y por la misma Kelly Johana”, detalla.

 

Inspiradas en la canción ‘Amaneciendo’, del fallecido cantautor barranquillero Adolfo Echeverría, las estudiantes crearon y elaboraron el traje ‘Renacer de Carnaval’, con la que fue coronada Kelly Restrepo como Reina del Carnaval de la 44 el pasado 9 de febrero.

 

El ajuar está inspirado en el tema histórico musical del Carnaval, tomando como base los colores del amanecer que relata la canción del maestro Echeverría, sin dejar de lado el toque femenino y la elegancia de la mujer barranquillera.

 

“Es un hermoso vestido color rojo con silueta de sirena. Tiene una infinidad de brillos de lentejuelas y piedras que resplandecen en todo el vestuario. Todo esto va acompañado por un recamado a mano que inspira la luz, la música y el fuego que irradian las fiestas. Como complemento lleva una espaldilla nutrida con más de 200 plumas que representan el fuego y el amanecer de Barranquilla”, detallaron las diseñadoras.

 

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Para las dos integrantes de este equipo esta “fue una experiencia inexplicable. Nos escogieron como grupo y nuestro trabajo fue de gran acogida por todos. Incluso, nuestra tutora que se sintió feliz de vernos sacar adelante el vestido, tan rápido. Es como un logro ya alcanzado en el corto tiempo que llevamos ejerciendo nuestra carrera”, afirma. Pero, más allá de su creación, ¿quiénes son estas jovencitas?

 

Laura Toro.

Decidió matricularse en nuestro Programa de Diseño de Modas, “porque antes estudié modelaje y actuación por fuera y trabajaba en una empresa multimarca de diseñadores colombianos, lo que me motivó en mayor medida a estudiar esta hermosa carrera, que desde muy pequeña me gustó”, dice. No obstante, lo anterior, el mayor incentivo fue su abuela, pues siempre estuvo detrás de una máquina de coser.

 

En cuanto a los diseñadores de moda que admira, esta joven cita a Lilia Samantha por trabajar con telas africanas y mantener el tema de la afrocolombianidad. Beatriz Camacho es otro de sus referentes, así como Chanel y moschino.

 

Melissa Ortega

Estudió diseño de modas por ser un asunto de familia, aunque desde muy pequeña le gustó esta carrera que considera no un arte sino un algo mucho más esencial y tan profundo, por revelar diferentes aspectos de la humanidad.

 

El dibujo siempre ha sido una de sus pasiones, mientras que los diseñadores que toma a Silvia Tcherassi y a Goretty Medina.

 

Melissa se ve a sí misma, en el futuro, con su propia casa de modas, pues, su espíritu de emprendedora la lleva a pensar en ser independiente y seguir los pasos de los diseñadores antes mencionados.

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Lennys George, María José Tulena, Daniela Carmona, Rocío Passo, Zuleima Suárez y Yoliceth Ramírez son las creadoras del vestuario que lucirán los Reyes Infantiles del Carnaval de Barranquilla, en su edición 2019, Isabella Chacón y César De la Hoz.

 

'Melodía Caribe y Son' es el nombre de esta dupla conformada por estos dos atuendos, la cual tomó aproximadamente 3 meses para su elaboración. Todo empezó en los primeros días de noviembre, proceso que inició con reuniones entre el equipo de diseñadoras y los menores antes mencionados, lo cual fue solo un abrebocas de un arduo y constante trabajo hasta su presentación. 

 

De acuerdo con María José Tulena, “fue una satisfacción demasiado grande ya que con ese trabajo nos estaríamos dando a conocer ante toda Barranquilla como diseñadoras”, dice.

 

Según Tulena, fueron varias las ideas presentadas a los niños, 4 para él y 4 para ella, todas resultados de una investigación exhaustiva, entrevistas, fotos, videos que ayudaron a escoger el diseño definitivo.

 

La entrevistada agrega que el resultado final fue brillo total, pues “utilizamos gran variedad en telas y materiales como flores, máscaras en madera, millares, letines, lentejuelas, entre otros”, agrega.

 

'Melodía Caribe y Son' fue el vestuario que lucieron, para su coronación, los Reyes del Carnaval de los Niños 2019. Los atuendos están influenciados por la riqueza cultural y folclórica de la música y la danza que practican Cesar e Isabella. El origen y tradición de la cumbia son aspectos a resaltar en esta creación, la reinterpretación de la cumbia se logra con letines y flores en colores vibrantes propios del sentir Caribe, como el dorado, amarillo, rojo, naranja, azul y verde que juegan un papel fundamental en la tradición de las carnestolendas.

 

Ambos atuendos son recorridos por un pentagrama que va incorporando diferentes elementos como las máscaras de Galapa, elaboradas a mano en forma de apliques e intervenidos con pedrería. Máscaras que transmiten un mensaje burlesco de la vida en estas fiestas, porque Carnaval sin máscaras no es carnaval. Los materiales utilizados son sedas, organzas, tafetas, pailette que aportan destellos y brillo, intervenidos con letines, galones y apliques en pedrería, resaltando el trabajo artesanal como una tradición muy ligada al Carnaval.

 

Melodía caribe y son.jpeg

 

Lo anterior queda claro al ver imágenes de cada outfit, pero en Uniautónoma queremos saber quiénes son sus creadoras y qué sienten al ver el producto de tanto esfuerzo.

 

María Jose Tulena.

 

Empezó a estudiar Diseño de Modas porque fue criada entre máquinas de coser y telas, “es algo que llevo en la sangre”, asegura. A Tulena lo que más me gusta de su carrera es la sonrisa y las felicitaciones por el trabajo realizado.

 

Los diseñadores que toma como referentes son Karl Lagerfeld e Yves Saint Laurent. En el futuro se ve como una diseñadora reconocida, exitosa y dando a conocer su trabajo por el mundo.

 

Lennys George.

“Sentimos una emoción enorme, lo presentíamos por la personalidad de César e Isabela. Empezamos a mediados de diciembre la selección de los materiales, plumas, telas y motivos de las máscaras. Fue un proceso muy arduo porque el trabajo fue artesanal y elaborado todo a mano”, dice esta joven que toma a Silvia tcherassi como referente y modelo a seguir, por ser barranquillera, versátil y tener una interesante trayectoria.

 

Rocío Passo. 

Tiene 27 años y desde su infancia estuvo rodeada del mundo de la moda, pues “mi madre siempre ha trabajado en la confección de prendas y empecé vistiendo muñecas con retazos de tela que sobraban y luego pasé a elaborar mi propia ropa, es así como fue creciendo mi pasión por el Diseño de modas y por eso decidí estudiar esta carrera”, cuenta.

 

De este campo le gusta todo, pero sobre todo la parte de inspiración y elaboración de figurines, y “aún más la de llevar cada idea a la realidad”, termina.

 

Los Diseñadores que más tomó como referentes son Óscar de la Renta y Silvia Tcherassi que son un talento Colombiano. En un futuro me veo como una empresaria exitosa y dueña de una fundación para ayudar a las mamitas cabeza de hogar, víctimas de la violencia intrafamiliar.

Publicado en Noticias Generales
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